El concepto de “nuevas músicas” engloba un gran abanico de estilos diferentes, desde la mal llamada “new age”, la electrónica (escuela de Berlín, meditativa, planeadora, “ambient”, etc), las influencias étnicas, celtas, gregorianas, rozando incluso el nuevo jazz, fusión, repetitiva, contemporánea, experimental y otro montón de subestilos que alargarían la lista. Con esto quiero decir que el que busque en este blog algún comentario sobre música pop y rock comercial, se ha equivocado de lugar.
Mis comienzos adolescentes estuvieron influenciados por Vangelis, Jean Michel Jarre, y Tangerine Dream, que como podéis ver es lo más “comercial” de las nuevas músicas.Pero poco a poco, y gracias sobre todo a un programa de radio, a mediados de los ochenta, Radio Syntorama, que se emitía para Gipuzkoa en Radio Popular, mi universo musical se enriqueció a pasos agigantados. Paralelamente, Cruz Gorostegi, autor del programa, editaba y distribuía (primero él solo y después con colaboradores) unos fanzines fotocopiados que son una maravilla. Esto para mí fue como un master. Fueron los inicios de comprar LPs (todavía no había CDs), que guardo como joyas.Posteriormente de los fanzines y distribución de discos se pasó a la organización de conciertos sobre nuevas músicas: http://www.syntorama.com/
Hoy en día algo parecido lo siguen haciendo unos gallegos con su fanzine MARGEN (muy bueno y recomendable): http://www.margenmusic.com/ pero por desgracia ya no están en activo.
Pero sin ningún género de dudas la mayor fuente de información lo tenemos en internet, sólo hay que saber buscar. Bueno dejándome de chácharas y para que veáis que también escucho música actual, empezaremos con algo que seguro que os atrae.
TODOS LOS DISCOS AQUÍ POSTEADOS SON PARA EVALUACIÓN, SI TE GUSTA DE VERDAD, CÓMPRALO.
Para cualquier sugerencia o comentario mandad un mensaje a: urangaster@gmail.com
Segundo lanzamiento de este compositor peruano del que ya os hablé hace poco. Esta vez es más electrónico y ambiental que su anterior trabajo Cosmunication I, emulando los sonidos new age de los años 80 y principios de los 90. Personalmente me gusta mucho más este disco, el otro era más rockero y progresivo.
El trabajo es un disco conceptual en el cual Lebin narra un viaje imaginario por la constelación o sistema estelar conocido como Orión, ese mismo que fue muy estudiado por los astrónomos egipcios y otras antiguas culturas de nuestro planeta. Este sistema estelar cuenta con siete estrellas principales, motivo por el cual consta la obra de siete temas (uno por estrella), una obertura y un bonus track del disco anterior remasterizado, siendo en total nueve los temas.
Como más de una vez me ha pasado recopilando material para mi blog sobre insectos, acabo de descubrir esta pequeña joya del progresivo italiano. Y encima justo al día siguiente y por sorpresa debo de asistir en el trabajo a un cursillo sobre la avispa asiática, ¡Qué sincronicidad...!
Franco Leprino es un artista de la escena progresiva vanguardista italiana de los años 70, menos conocido que Franco Battiato. En su discografía aparte de este trabajo tiene una recopilación a finales de los 80.
Este disco es una mezcla de música clásica, electrónica y de meditación, empleando para ello guitarras acústicas, sintetizadores, flautas, piano y hasta sonidos de bebé. Leprino se encarga de la guitarra acústica, la de 12 cuerdas, VCS, vibráfono y percusión; Franco Lazzaro colabora en los órganos Hammond y Thomas, Mog, Eminent; Arnaldo Ciato al piano y Alfio Squaiella a las flautas y el oboe.
El vinilo consta de dos largos temas "ambientales" (por llamarlos de alguna manera), el segundo de los cuales es más vanguardista con sonidos psicodélicos e incluso grabaciones en vivo de un bebé.
La edición original se publicó en 1977 y ésta que os presento pertenece a la edición en cd de 1990 por parte de Vinyl Magic. Existe un reedición de este año en formato vinilo a cargo del sello español Wah Wah Records.
A este músico alemán lo conocí por mediación de Syntorama, programa radiofónico de los 80 que a su vez publicaba un fanzine homónimo -cuyos originales guardo como joyas-. Podéis ver o bajar los fanzines aquí. Pues como iba diciendo, escuché varios temas de esta casete en dicho programa y compré la cinta directamente a su sello, Toracic Tapes, dirigido por Miguel Ruiz. Hace poco encontré por casualidad esta casete en una de las cajas de anteriores mudanzas y me puse manos a la obra para ripearla. pero por desgracia a mi pobre doble pletina de casete, muy castigada ya, se le han roto varias piezas y no ha sido posible. Sin embargo he logrado grabar por otros medios una copia y aquí la tenéis, no es la calidad acostumbrada pero como se dice hoy en día, "es lo que hay".
Siegmar Fricke comienza sus primeros experimentos musicales en 1981 con el uso de grabadoras y señales de radio de onda corta para crear collages de música concreta.
Después de una intensa actividad en la escena europea entre 1985-1993 fundó el proyecto Efficient Refineries junto al madrileño Miguel A.Ruiz (Orfeón Gagarin, Ventral Metaphor) pionero de la electrónica underground española y fundador en 1986 del sello autoproducido Toracic Tapes.
Siegmar trabaja principalmente con equipos analógicos vintage, toma de muestras, la secuenciación y una amplia gama de efectos. Ha colaborado con Conrad Schnitzler, Giancarlo Toniutti, el pionero industrial Maurizio Bianchi, Mathias Grassow...
En esta casete que os presento combina perfectamente los sonidos sampleados junto a manipulaciones de voz, todo ello unido a intensas bases rítmicas. Nos puede recordar a la última etapa de Kraftwerk.
Faber es un proyecto musical del norte de Alemania, concretamente en Lübeck. El hombre detrás de Faber es el músico Ronald Schmidt. Empezó tocando el acordeón y aprendiendo algunas lecciones de órgano Hammond al comienzo de la década de 1970, pero su gran pasión por la música electrónica comenzó cuando escuchó por primera vez a Wendy Carlos y a Tomita en 1972. Para el año de 1973 consiguió su primer sintetizador, un Roland SH 1000, empezando así su pasión por la música electrónica. Comenzó a hacer sus primeras grabaciones con una vieja grabadora de procesamiento de reproducción múltiple.
Después de graduarse como ingeniero de tecnología en física, Faber ha equipado su estudio de grabación desde principios de los años ochenta. Hoy en día su estudio de grabación cuenta con muchos teclados y software basado en música que realiza en computadora, así como también muchos sintetizadores en software.
Sus influencias musicales son muchas, artistas como Tangerine Dream, Mike Oldfield, Klaus Schulze y Wendy Carlos. Faber, sin embargo, cultiva muchos estilos musicales en su studio: que van desde la música espacial, de salón, el apabullante chillout o la variopinta world music.
Conocí la música de Faber hace más o menos unos 3 años, aunque él lleva alrededor de 7 años publicando sus álbumes (11 en total) y la emoción que sentí al escuchar por primera vez su música me dejo fuertemente impresionado, él posee el balance exacto entre la música electrónica tradicional combinada eficientemente con los estilos musicales modernos, sin llegar a caer en ritmos empalagosos o repetitivos, como suele suceder con la música electrónica actual; muy por el contrario sus composiciones son deslumbrantes, profundas, dinámicas aderezadas en la justa medida con ritmos electrónicos; siempre he pensado que él ha sabido asimilar y alimentarse muy bien de genios consagrados como Vangelis, Tangerine Dream, Jean Michel Jarre u otros similares volcándolos a su música creando así su propio estilo.
Tengan la seguridad que si se irradiaran estos temas alucinantes al espacio sideral por esas enormes antenas en busca de vida extraterrestre, yo sé que de seguro al día siguiente vendrían una oleada de naves no identificadas en busca del autor de tales prodigios sónicos, no exagero, sus temas son descomunales desde mi particular punto de vista, estos seres lo raptarían y se lo llevarían a su planeta a que les haga un concierto interdimensional...jajaja.
Finalizando, yo a este artista teutón lo pondría al mismo nivel de Vangelis, Jarre o Kitaro, jamás lo clasificaría como un artista de regular trayectoria, tiene unos temas preciosos, profundos y técnicamente super elaborados con bastante imaginación, lo cual es lo que más me gusta de este ritmo particular que es la buena música electrónica de estilo berlinés y Faber lo cumple con demasiadas creces…
Escoger o poner un álbum en este post es una elección muy difícil, ya que todos son buenos, y algunos más que otros; así que decidí hacer un compilado, en realidad dos: el primero que es más extenso, ordenado cronológicamente desde su primer álbum hasta el último y el otro que es más corto con lo mejor de su música, el cual es el que más me gusta donde mis sentidos quieren sublimarse de tanta exquisitez sónica...wooow! Así que ustedes escojan.
Compositor francés que comenzó en los años 70 en un grupo de rock sinfónico llamado Weidorje, formado por dos ex miembros de Magma. Su primer disco en solitario fue Drones en 1980 pero desde entonces su evolución ha sido espectacular. Se ha dedicado de lleno a las bandas sonoras y spots publicitarios, sintonias de radios... y en cambio su discografía es más bien escasa con grandes intervalos entre cada obra, primando siempre la calidad y un toque personal y único.
En este disco que os presento, que en general nos puede recordar un poco a Philip Glass, comprobaréis el peculiar estilo de Goude, una mezcla entre neoclásico, música contemporánea y vanguardismo. Como bien dice mi compañero Juan Antonio, presentador de Músicas en la tarde, al igual que la mayoría de los músicos franceses, sus composiciones están llenas de "ganas de jugar" (del francés jouer = tocar, jugar). Goude, se acompaña siempre de su Ensemble, entre todos nos dejarán extasiados por la belleza de los temas.
El pianista mínimo (EP, 2015), es el último trabajo del compositor Carlos Izquierdo. Este disco es la parte estrictamente musical del trabajo más completo que lleva el mismo nombre y que incluye una colección de fotografías y una lupa (ver la reseña en el sello Luscinia).
Las piezas que lo forman han sido compuestas a lo largo de un año, a camino entre Alicante, Canadá (donde Izquierdo grabó su segundo album, Ciel de lucioles) y Alemania y Polonia (durante la gira 'Tour de lucioles'); y mantienen el carácter emotivo, melancólico y envolvente de las composiciones a piano solo de Carlos Izquierdo, pero ahondando más en el minimalismo y las posibilidades musicales que este estilo permite desarrollar.
Compuesto únicamente de dos piezas (hay una tercera como bonus track para los que descargan el álbum), Wanderlust es principalmente una obra contemplativa, más melódica y rica en armonías, mientras que Aquest lloc potser senzill, la segunda, es profundamente minimalista en la composición, pero consiguiendo también transmitir esa belleza que caracteriza la obra del autor.
El disco ha sido grabado además en un entorno peculiar: la librería Pynchon&Co, de Alicante. Entre libros de poesía y ensayos de filosofía, junto a clientes que esa tarde pasaban por allí, creando una sensación más abierta, de concierto en directo y no de estudio, que le da más viveza a la grabación. El piano fue además modificado acústicamente, mediante telas en las cuerdas, para conseguir un sonido más suave, tenue y ambiental.
La portada del disco es obra de Marcos Aldeguer, con quien Izquierdo ya había trabajado en las portadas de los discos anteriores, y representa la sencillez y naturalidad de este álbum a la perfección con un dibujo de un solo trazo que representa la silueta de un pianista.
Espero que lo disfrutéis.
sábado, 26 de septiembre de 2015
JEAN-MICHEL JARRE - COMPLETE OXYGENE (1976-1997)
Después
de haber hecho tantos trabajos en la escena musical francesa, Jarre comienza a
disponer de su propio estudio musical instalado en la cocina de su apartamento, con más teclados y equipo electrónico, todo analógico, agregado más su amplia
experiencia crea un extraordinario trabajo, un verdadero álbum electrónico y
pilar indiscutible de la música de vanguardia, del cual él se convertiría en un
pionero y llegando a influenciar a muchos artistas hoy en día. Jarre, con este
álbum se hace conocido en todo el orbe y quizás hasta del universo, un álbum
que hasta los alienígenas hacen su preferido. Oxygene (1976) es un
homenaje a la vida y a la naturaleza de nuestro planeta, en donde Jarre quiere
concientizar a la gente de que la Tierra es un ser vivo que late y siente; ese
es el motivo del por qué en la portada de su disco se observa al planeta Tierra
despellejándose y mostrando una calavera en su interior, símbolo de vida;
además según la Wikipedia el disco nació producto de una pintura que le fuese
regalada a su futura esposa Charlotte Rampling, hija del célebre artista Michel
Granger. Esto motivo a Jarre a hacer este disco; aunque la verdad dudo que así fuese;
según las propias palabras de Jarre en una entrevista que vi hace muchos años,
él venía desarrollando una serie de técnicas musicales con los teclados que
su mentor Pierre Shaeffer le estaba enseñando, a esta técnica él le denominaba
Oxygene y que por aquellos años logro desarrollarlos por completo, además un
breve guiño se escucha en un tema antiguo que luego apareció en el célebre
track Oxygene Part 4.
Jarre
para este álbum dispuso de más equipo, que en sus anteriores trabajos y plasma
aquí también el desarrollo máximo de su técnica como comente anteriormente, que
se muestra, según mi criterio, muy compleja en los efectos pero sencillo en el
clímax, en la atmósfera y en el ritmo; mostrando un álbum con un sentir muy
"aero-espacial" en sus temas, recreando además sonidos y
ambientes irreales con los viejos sintetizadores analógicos de su tiempo, una
proeza ya de por si asombrosa. Además Oxygene es el álbum más soñador y
electrónico-espacial que haya podido escuchar en mi vida, sé que no tiene la
grandilocuencia de sus posteriores álbumes, pero este álbum desde que empieza
hasta que acaba me transporta al mismo espacio sideral, ningún tema decae en absoluto,
salvo quizás Oxygene Part 3. Indiscutiblemente este álbum es mi gran
favorito del francés Jean-Michel Jarre.
El
viaje aero-espacial empieza con Oxygene Part 1, en donde tanto el primer
como el segundo tema hacen uno solo, el primero es un largo y maravilloso
preludio con sonidos divinos que fluyen delicadamente por la imaginación del
oyente dibujando atmósferas irreales en donde te sumerges de lleno, navegando
mentalmente en un mar sideral espacial; ya casi por finalizar y pasar al otro
track, este tema se vuelve más tierno con unos sonidos muy débiles que van
amplificándose poco a poco, como si algo estuviera por nacer, incluso me
atrevería decir que da divinos murmullos musicales, esta parte es maravillosa;
pasando así al siguiente track Oxygene Part 2, el despegue definitivo al
espacio, una pieza realmente extraordinaria en donde el maravilloso sonido del
sintetizador hace gala de todo su poder musical, adornado por ráfagas
espaciales de sonidos que se mostrarán en todo este track y decayendo poco a
poco al final del mismo; pasando así al tercer tema Oxygene Part 3 en
una tonada de estructura simple, en donde es hábilmente repetida a intervalos
regulares y acabando con sonidos de avecillas. Pasamos ahora a la segunda parte
con el archiconocido Oxygene Part 4, un tema ya emblemático en la
carrera musical de Jarre, adoptado por una gran multitud de oyentes para
diversos quehaceres humanos y técnicos; esta cuarta parte refleja el espíritu
directo a la naturaleza, sonando a veces como a un jazz electrónico con un
asentado ritmo que cambia magistralmente de uno a otro; la sencillez soberbia y
a la vez intrincada en su proceso lo ha hecho ser el favorito, quizás para casi
todo el mundo; ya al finalizar el tema se puede escuchar una parte de Exasperated
Frog de su álbum Deserted Palace, y que no sería el único en
rehabituar viejos temas para sus posteriores trabajos; y siguiendo la secuencia
aparece Oxygene Part 5 que es el típico sonido 'jarristico' muy bien
interpretado, mostrándolo en su inicio como una larga introducción con sonidos
atmosféricos y disonantes efectos superpuestos durante la primera mitad del
tema, y a los 5:35 cambia casi sorpresivamente en una agradable sensación
estereofónica a los oídos, con un extraordinario sonido parecido al latido de
una máquina que se pasea por la mente, sucumbiendo nuevamente ante tanta
majestuosidad sónica que te transporta a otro rincón olvidado de la galaxia; y
por último el sexto tema Oxygene Part 6 es una aventura playera espacial
en las costas de algún extraño planeta, con sonidos incluso de gaviotas
electrónicamente creadas por el cirujano Jarre, el tema es como oleadas de
sonidos densos que relajan el espíritu, con un marcado patrón musical que fluye
por todo el tema y que le dan una especial sensación placentera hasta terminar el tema. Puedes escuchar todo el primer trabajo en una bonita elaboración tridimensional hecha a partir de la portada original:
Cabe
destacar además, que Oxygene es su álbum más vendido hasta el momento,
superando en varios millones de copias vendidas en todo el mundo; un álbum que cuando
apareció por primera vez en las tiendas, no se sabía en donde etiquetarlo, se
le llamo jazz electrónico, instrumental espacial, música progresivista, u otras
frases similares que reflejaban el impacto producido por este álbum, un ritmo
totalmente nuevo en la escena musical de su tiempo, y eso que otros artistas
estaban labrando ritmos similares. Para este álbum, Jarre también conocería a
su máximo colaborador en la parte artística de sus álbumes, a Michel Geiss, un
músico y diseñador de varios de los instrumentos electrónicos utilizados por
Jarre posteriormente en sus conciertos; y que lo abandonaría precisamente en la
culminación de la continuación de este álbum, en Oxygene 7-13.
Tuvieron
que pasar 20 años para que la continuación, Oxygene 7-13 fuese una digna
continuación a este mítico y subliminal álbum.
Después
de una larga espera y de muchos rumores, aparece el nuevo trabajo de
Jean-Michel, en enero de 1997 se hace la presentación mundial del nuevo disco
en una rueda de prensa, con un impactante título: Oxygene 7-13(Se optó por este nombre para evitar
confundirlo con el single Oxygene 2), que pretende ser la
continuación de su primer gran éxito y conmemorando además su 20° Aniversario,
muy al igual que Mike Oldfield con su épico Tubular Bells. El nuevo
álbum de Jarre, le demando muchos problemas antes de su edición, problemas que
se vieron reflejados por un lado en la salida de su máximo colaborador Michel Geiss, y por otro el cambio de disquera (ahora con la multinacional Sony Music). Además se tuvo que agregar un tema
más al álbum inicial; aun así el disco también se presenta como su último gran
trabajo verdaderamente efectivo y conceptual, ya que luego vendrían trabajos de
regular calibre u otros que ni deseo acordarme. Para este disco Jarre tuvo que
volver a sus raíces y reproducir aquel mismo sentimiento
aero-atmosférico-espacial creado en el original Oxygene, como una
continuación del mismo álbum. De seguro Jarre tuvo
que desempolvar los viejos teclados analógicos y conjugarlos con los nuevos
sistemas de elaboración musical e irremediablemente con el ritmo ya muy puesto
en sus venas, convirtiéndolo aun así, nuevamente en un éxito comercial y
artístico a la vez, igual que su predecesor, pero sin el aplastante éxito que
el primero, aun así personalmente lo considero uno de los mejores discos que
ha hecho el francés.
En
el interior del álbum se puede encontrar una dedicatoria que hace Jarre a
Pierre Shaeffer, que como ya se sabe, fue el mentor y maestro quien le enseño a
ver la música desde otra perspectiva y quien lo introdujo de lleno al
fascinante mundo de la música electrónica. La portada es otro de los grandes
trabajos de Jarre, y según mi modesta opinión, la mejor de todas hechas hasta la
fecha, el cual denota un ser humano espacial teniendo como corazón a la misma
Tierra, portada que comparte los honores con otra portada de la primera
compilación alemana: Musik aus Zeit und Raum - Music From Time And Space (1983),
diseñadas nuevamente por Michel Granger, el mismo que diseño el primer Oxygene.
La
continuación del nuevo viaje aero-espacial se inicia con Oxygene 7,
estructurado en tres partes, una verdadera alucinación musical, siempre que lo
escucho me hace evocar imágenes mentales muy extraterrenales; el tema tiene una
cierta similitud a la línea básica de Oxygene Part 4 y con un evocador
agregado de simples notas que le dan una sensación de sinfonía espacial
soñadora, que fue performada brillantemente con el arpa láser en el concierto
de Moscow, en donde me dio un colapso fulminante ante tanta majestuosidad
musical; esos cuatro golpes iniciales son inolvidables para luego aparecer un
alienado ritmo que se desplaza por todo el tema junto a un ambiente de fondo
muy espacial, un verdadero placer sumergirte por ese espacio musical creado por
Jean-Michel; todo ello siendo la primera y segunda gran parte; en la tercera,
el ritmo desciende un poco y evoca notas muy soñadoras y calmadas como
aterrizando a otro tema. Y ese tema es Oxygene 8, otro grande,
grandísimo y mágico, no me importa que sea el tema más difundido del álbum, en
verdad es uno de los mejores temas que ha compuesto el francés, la forma cálida
y dinámica que se interconectan las notas son dignas de admirar, como un
vaivén armonioso muy soñador, un verdadero tema rítmico-espacial. Oxygene 9,
básicamente es una evocación al primer tema del álbum Oxygene, muy
idéntico y con muy poca variación en el tema, que sirve de tema de introducción
a Oxygene 10, otro tema brillante, en donde la melodía parece ser
llevada por el teclado y un theremin, así de genial lucía este tema también en
el concierto de Moscú; aquí Jarre vuelve a los ritmos high-tech pero en menor
medida y sin abusar demasiado en ellos, además su habilidad para combinar ambos
estilos es muy buena. Luego otro tema de igual hechura al anterior, Oxygene
11, en donde el sonido persistente de un teclado analógico a modo de fondo
percusionista gobierna todo el tema, con la inclusión de más sonidos
electroanalógicos mecánicos que lo hacen parecerse a un tema techno dancing, pero
nuevamente sin abusar de ello. Oxygene 12, que regresa al sonido inicial
en una mezcla extremadamente orgánica y clara, un delirio de notas hasta el límite
que alcanzan sus puntos más altos en las manos hábiles de Jarre, pura dinamita
analógica para el cerebro. Finalmente Oxygene 13 cierra el disco, de forma
muy similar que su antecesor, una orquestal pieza ambient muy profunda con un
sentimiento muy placentero en su melodía, pareciera una especie de despedida cósmica;
culminando así esta gran obra del francés Jean-Michel.
Finalmente quisiera agregar dos enlaces mas que me parecen interesantes: el primero es del gran concierto hecho en Moscú celebrando el 850 Aniversario de la ciudad en 1997 donde presentó la totalidad de ambos trabajos y algunos otros temas de una manera espectacular:
Y por último: con motivo del 30 aniversario de Oxygène, el músico francés Jean-Michel Jarre publicó en 2007 Oxygène: Live In Your Living Room. Para conmemorar el evento, el francés reinterpretó su obra más conocida utilizando los sintetizadores analógicos originales de 1976, grabándolo todo en los estudios Alfacam (Lint, Bélgica). La idea detrás del proyecto era llevar la interpretación y grabación, en vivo, de un clásico de la música electrónica como es Oxygène, hasta el salón de casa: la sensación es que se trata de un concierto privado. Para que la inmersión fuese total, además, se utilizaron cámaras estereoscópicas 3D y sonido 5.1 surround. Así que a buscar una gafas azul-rojas y a mirar este intimo concierto:
En
concreto ambos álbumes demuestran lo que un buen músico puede lograr muy
creativa y evocadoramente con los teclados, mas allá de los febriles ritmos
electrónicos modernos que pululan a nuestro alrededor; además según mi opinión
este disco cierra la etapa creativa del francés, luego vendrían álbumes de
regular calaña y otros que pasarían sin son ni gloria, aun así Jean–Michel Jarre
marco toda una generación y abrió muchas puertas musicales a tantos grupos que quisieron
copiarle y estos 2 álbumes fueron su bastión de apoyo…
