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jueves, 24 de diciembre de 2015

Aura Noctis - En Directo 2015 (2015)




Tercer trabajo que publica este quinteto madrileño, del primero ya os comenté en su día y de este lanzamiento me acabo de enterar porque me acaban de enviar una reseña.

Después de un duro trabajo en el mes de abril en Espacio Ronda, Madrid; ha salido a la luz este disco que incluye 13 preciosos temas, siete de ellos nunca antes publicados. El resultado es totalmente acústico, Los componentes son: la fundadora y manager del grupo Olga B. García (piano y composición), Carmen Ruiz Revuelta (oboe, flautas), Susana Rico (violonchelo, intérprete en la Orquesta Nacional de España), Rubén Gálvez (bendir) y la compositora Beatriz Tierno (voz).








Lo han publicado en cd y en dvd, los puedes adquirir además de en su página web en:








martes, 22 de diciembre de 2015

Dariusz Wilk DaWi - Elektroniczne Grawitacje (2010)



Dariusz Wilk DaWi es un artista musical polaco que empezó a componer música electrónica desde 1990, a pesar de no contar con un brazo (él es manco), pero esta discapacidad física no ha sido un impedimento para lograr un excelente trabajo musical como aqui expongo. Ha participado en muchos proyectos musicales, el mas conocido es “Contemporary Electronic Soundscapes”, un compilado de su Polonia natal que recoge temas musicales de artistas locales girando a un tema especifico, todos referentes a cuestiones espaciales y expresados en música por estos artistas (http://ces.studio-nagran.pl/).




Dariusz ha producido pocos álbumes en solitario, pero hay uno en concreto que deslumbra por completo, el álbum al que me refiero se denomina Elektroniczne Grawitacje (La Gravedad Electrónica) del año 2010, un referente indiscutible del buen estilo berlinés en todo su esplendor, el álbum cuenta con temas soberbios muy enganchados al sentir espacial, super imaginativo, cósmica, etérea, a veces con sonidos ambient espaciales algo apegado al sonido de Schulze en algunos temas pero mucho mas melódico, el tema Klaus*tromysli así lo demuestra. Muchos temas subconscientemente te transportan al mismo espacio sideral, tal es el caso con los temas: Ocean Kosmosu (Océano Cósmico), Galaktyka M82 (Galaxia M82), Solaris y Word In My Eyes (El Mundo En Mis Ojos); mientras que otros suenan algo misteriosos tratando de averiguar a donde te conducen: Opuszczony Swiat (Mundo Abandonado) y Klaustromysli van por ese camino. El tema World (Mundo) es pura imaginación, según lo interpreto como la descripción de un mundo surreal y fantástico poblado de seres místicos, es el tema que se adentro de inmediato en mi psique musical la primera vez que lo escuché, y aun hoy lo sigue haciendo... En conclusión es un álbum que no desperdicia cada espacio sonoro, todos los temas tienen un mismo peso y una relevancia, si quieres probar algo nuevo y que no te defraude, este es el álbum que buscabas.





sábado, 19 de diciembre de 2015

Chris & Cosey ‎– Allotropy (1989)



Un extracto de este trabajo lo escuché por primera vez en el programa radiofónico Syntorama, del cual tanto os hablo, Enseguida me encandiló y lo compré, lo que no sabía es que contiene un único tema de 43 minutos que, sinceramente, se hace un poquito largo.

Chris & Cosey, que actualmente actúan bajo el nombre de Carter Tutti, son un grupo musical formado en 1981, e integrado por Chris Carter y Cosey Fanni Tutti, ambos ex miembros de Throbbing Gristle, pioneros de la música industrial. Han sido los precursores fusionando la electrónica, el tecno, el dark, la música industrial y la vanguardia, siendo un referente de todo Dj que se precie en el mundillo electrónico.


Han tenido temporadas que han seguido sus carreras en solitario pero actualmente están juntos de nuevo. La música fue encargada en 1985 por Allotrophy Exposition (Jan Smith-Merritt y Stephen Hill) para acompañar el vídeo-arte de su performance.


Esta versión que tengo está editada por Parade Amoureuse y Staalplaat en 1989, en una anterior versión de Staalplaat la portada salió en negativo (color azulado) por un error de imprenta.

Aquí tenéis como primicia el disco completo.


Ripeado para la ocasión de mi colección particular.

viernes, 11 de diciembre de 2015

Jennifer Ann - Reflections (2015)



Hace unos días recibo en mi correo el mensaje de Jennifer Ann Keller, joven pianista y compositora originaria de Minnesota, EE.UU, pero que actualmente reside en Londres. Se dedica a la música neoclásica y este es su álbum debut y la verdad es que no lo hace mal, por ello decidí darle una oportunidad. 

De formación clásica en piano, flauta y canto (soprano). En este trabajo se ha atrevido a incluir junto al piano pequeños guiños electrónicos (en 3 de los temas). Encontraréis 12 preciosos temas, llenos de emoción y sensibilidad que harán las delicias de los amantes del piano. En el siguiente vídeo la podéis ver al piano versioneando un tema de Jefferson Airplane.


                                      


Jennifer se ha inspirado en artistas como David Lanz, Luco Einaudi, Dustin O'Halloran y Olafur Arnalds. 

                                      


Lo podéis pre-escuchar y comprar en:

martes, 8 de diciembre de 2015

Pond - Planetenwind (1984)



Proyecto electrónico fundado entre 1981-1982 en Berlín por Wolfgang (Paule) Fuchs (batería de ex Babylon) y Manfred Henning (teclados). Enseguida se unió al dúo el organista Frank Fuchs. En 1981 salió Henning y entró Harald Wittkowski que duró hasta 1988. Después se unieron los hijos gemelos Frank y Sascha Fuchs, que dieron un toque tecno al grupo.

A partir de 2003 el grupo vuelve a sus orígenes como dúo. Al principio los toques progresivos se notaban pero enseguida iniciaron el camino electrónico con influencias de T.Dream.

Este primer lanzamiento en vinilo que os presento constaba de 6 temas mientras que en sus posteriores ediciones de 1990 en cd, aparecían 13 temas. Espero que disfrutéis con esta maravilla totalmente descatalogada y que vale un dineral en el mercado de segunda mano. Totalmente inmerso dentro de la escuela berlinesa pero con un toque personal muy innovador.


                                     


domingo, 29 de noviembre de 2015

Klaus Doldinger - Constellation (1992)



Doldinger es un saxofonista alemán (además de pianista, clarinetista y flautista), más dedicado al jazz fusión que a otra cosa, seguramente le conoceréis por su grupo Passport, creado en 1971 y que deambuló por medio mundo entre los años 70 y 80. Pero este trabajo es uno de los pocos que tiene en solitario donde gobiernan los teclados electrónicos.

También se ha atrevido con bandas sonoras para películas, entre ellas destaca Das Boot  (El Submarino), estrenada en 1997; y desde luego no podemos olvidar La historia interminable de 1984 en la que comparte protagonismo con Giorgio Moroder.




El vinilo se publicó en 1983 y la primera edición en formato cd en 1992. El tema principal, Constellation, que da título al disco es una suite dividida en cinco partes, que como comprobaréis es un estilo muy berlinero. Aparte contiene otros cuatro temas.

sábado, 7 de noviembre de 2015

Richard Pinhas - Iceland (1979, reed.1991)



Duplico este post en NM y en el blog de mi colega STAHLFABRIK del cual soy colaborador.

Tercer trabajo en solitario de Pinhas, guitarrista de la banda de rock progresivo electrónico Heldon. Está influenciado por las sonoridades de John Carpenter, Ennio Morricone y Edward Artemiev. Caracterizado por sus atmósferas estremecedoras lo podríamos catalogar perfectamente como banda sonora para una oscura película de ciencia ficción.

Tracklist
01 Iceland (Part 1) 1:05 
02 Iceland (Part 2) 9:35 
03 The Last Kings Of Thule (Part 1) 2:25 
04 Iceland (Part 3) 7:36 
05 Indicatif Radio 1:00 
06 The Last Kings Of Thule (Part 2) 5:30 
07 Short Transition 0:35 
08 Greenland 8:56
09 Wintermusic 22:27 

En el octavo tema, Greenland, colabora al Mini Moog, Jean-Philippe Goude. En esta versión hay un largo bonus track titulado Wintermusic, de 22 minutos.




viernes, 30 de octubre de 2015

Carlo Lebin - Cosmunication II Orionis - Trip to the Seven Stars (2015)





Segundo lanzamiento de este compositor peruano del que ya os hablé hace poco. Esta vez es más electrónico y ambiental que su anterior trabajo Cosmunication I, emulando los sonidos new age de los años 80 y principios de los 90. Personalmente me gusta mucho más este disco, el otro era más rockero y progresivo.

El trabajo es un disco conceptual en el cual Lebin narra un viaje imaginario por la constelación o sistema estelar conocido como Orión, ese mismo que fue muy estudiado por los astrónomos egipcios y otras antiguas culturas de nuestro planeta. Este sistema estelar cuenta con siete estrellas principales, motivo por el cual consta la obra de siete temas (uno por estrella), una obertura y un bonus track del disco anterior remasterizado, siendo en total  nueve los temas.

Podéis conseguir el material contactando con el propio Carlo en: carlolebin@outlook.com


martes, 27 de octubre de 2015

Franco Leprino - Integrati...Disintegrati (1977 reed.1990)



Como más de una vez me ha pasado recopilando material para mi blog sobre insectos, acabo de descubrir esta pequeña joya del progresivo italiano. Y encima justo al día siguiente y por sorpresa debo de asistir en el trabajo a un cursillo sobre la avispa asiática, ¡Qué sincronicidad...!

Franco Leprino es un artista  de la escena progresiva vanguardista italiana de los años 70, menos conocido que Franco Battiato. En su discografía aparte de este trabajo tiene una recopilación a finales de los 80.

Este disco es una mezcla de música clásica, electrónica y de meditación, empleando para ello guitarras acústicas, sintetizadores, flautas, piano y hasta sonidos de bebé. Leprino se encarga de la guitarra acústica, la de 12 cuerdas, VCS, vibráfono y percusión; Franco Lazzaro colabora en los órganos Hammond y Thomas, Mog, Eminent; Arnaldo Ciato al piano y Alfio Squaiella a las flautas y el oboe.

El vinilo consta de dos largos temas "ambientales" (por llamarlos de alguna manera), el segundo de los cuales es más vanguardista con sonidos psicodélicos e incluso grabaciones en vivo de un bebé.

La edición original se publicó en 1977 y ésta que os presento pertenece a la edición en cd de 1990 por parte de Vinyl Magic. Existe un reedición de este año en formato vinilo a cargo del sello español Wah Wah Records.




martes, 20 de octubre de 2015

Siegmar Fricke - High Tech (1988)



A este músico alemán lo conocí por mediación de Syntorama, programa radiofónico de los 80 que a su vez publicaba un fanzine homónimo -cuyos originales guardo como joyas-. Podéis ver o bajar los fanzines aquí. Pues como iba diciendo, escuché varios temas de esta casete en dicho programa y compré la cinta directamente a su sello, Toracic Tapes, dirigido por Miguel Ruiz. Hace poco encontré por casualidad esta casete en una de las cajas de anteriores mudanzas y me puse manos a la obra para ripearla. pero por desgracia a mi pobre doble pletina de casete, muy castigada ya, se le han roto varias piezas y no ha sido posible. Sin embargo he logrado grabar por otros medios una copia y aquí la tenéis, no es la calidad acostumbrada pero como se dice hoy en día, "es lo que hay".

Siegmar Fricke comienza sus primeros experimentos musicales en 1981 con el uso de grabadoras y señales de radio de onda corta para crear collages de música concreta.

Después de una intensa actividad en la escena europea entre 1985-1993 fundó el proyecto Efficient Refineries junto al madrileño Miguel A.Ruiz (Orfeón Gagarin, Ventral Metaphor) pionero de la electrónica underground española y fundador en 1986 del sello autoproducido Toracic Tapes.

Siegmar trabaja principalmente con equipos analógicos vintage, toma de muestras, la secuenciación y una amplia gama de efectos. Ha colaborado con Conrad Schnitzler, Giancarlo Toniutti, el pionero industrial Maurizio Bianchi, Mathias Grassow...

En esta casete que os presento combina perfectamente los sonidos sampleados junto a manipulaciones de voz, todo ello unido a intensas bases rítmicas. Nos puede recordar a la última etapa de Kraftwerk.




martes, 13 de octubre de 2015

FABER - Dinamic Space Music



Faber es un proyecto musical del norte de Alemania, concretamente en Lübeck. El hombre detrás de Faber es el músico Ronald Schmidt. Empezó tocando el acordeón y aprendiendo algunas lecciones de órgano Hammond al comienzo de la década de 1970, pero su gran pasión por la música electrónica comenzó cuando escuchó por primera vez a Wendy Carlos y a Tomita en 1972. Para el año de 1973 consiguió su primer sintetizador, un Roland SH 1000, empezando así su pasión por la música electrónica. Comenzó a hacer sus primeras grabaciones con una vieja grabadora de procesamiento de reproducción múltiple.

Después de graduarse como ingeniero de tecnología en física, Faber ha equipado su estudio de grabación desde principios de los años ochenta. Hoy en día su estudio de grabación cuenta con muchos teclados y software basado en música que realiza en computadora, así como también muchos sintetizadores en software.

Sus influencias musicales son muchas, artistas como Tangerine Dream, Mike Oldfield, Klaus Schulze y Wendy Carlos. Faber, sin embargo, cultiva muchos estilos musicales en su studio: que van desde la música espacial, de salón, el apabullante chillout o la variopinta world music.



Conocí la música de Faber hace más o menos unos 3 años, aunque él lleva alrededor de 7 años publicando sus álbumes (11 en total) y la emoción que sentí al escuchar por primera vez su música me dejo fuertemente impresionado, él posee el balance exacto entre la música electrónica tradicional combinada eficientemente con los estilos musicales modernos, sin llegar a caer en ritmos empalagosos o repetitivos, como suele suceder con la música electrónica actual; muy por el contrario sus composiciones son deslumbrantes, profundas, dinámicas aderezadas en la justa medida con ritmos electrónicos; siempre he pensado que él ha sabido asimilar y alimentarse muy bien de genios consagrados como Vangelis, Tangerine Dream, Jean Michel Jarre u otros similares volcándolos a su música creando así su propio estilo.

Tengan la seguridad que si se irradiaran estos temas alucinantes al espacio sideral por esas enormes antenas en busca de vida extraterrestre, yo sé que de seguro al día siguiente vendrían una oleada de naves no identificadas en busca del autor de tales prodigios sónicos, no exagero, sus temas son descomunales desde mi particular punto de vista, estos seres lo raptarían y se lo llevarían a su planeta a que les haga un concierto interdimensional...jajaja.

Finalizando, yo a este artista teutón lo pondría al mismo nivel de Vangelis, Jarre o Kitaro, jamás lo clasificaría como un artista de regular trayectoria, tiene unos temas preciosos, profundos y técnicamente super elaborados con bastante imaginación, lo cual es lo que más me gusta de este ritmo particular que es la buena música electrónica de estilo berlinés y Faber lo cumple con demasiadas creces…

Escoger o poner un álbum en este post es una elección muy difícil, ya que todos son buenos, y algunos más que otros; así que decidí hacer un compilado, en realidad dos: el primero que es más extenso, ordenado cronológicamente desde su primer álbum hasta el último y el otro que es más corto con lo mejor de su música, el cual es el que más me gusta donde mis sentidos quieren sublimarse de tanta exquisitez sónica...wooow! Así que ustedes escojan.

Download Links:

Resumido: Faber1

Completo:  Faber2


Alienycon.

miércoles, 7 de octubre de 2015

Jean Philippe Goude - Aux Solitudes (2008)



Compositor francés que comenzó en los años 70 en un grupo de rock sinfónico llamado Weidorje, formado por dos ex miembros de Magma. Su primer disco en solitario fue Drones en 1980 pero desde entonces su evolución ha sido espectacular. Se ha dedicado de lleno a las bandas sonoras y spots publicitarios, sintonias de radios... y en cambio su discografía es más bien escasa con grandes intervalos entre cada obra, primando siempre la calidad y un toque personal y único. 

En este disco que os presento, que en general nos puede recordar un poco a Philip Glass, comprobaréis el peculiar estilo de Goude, una mezcla entre neoclásico, música contemporánea y vanguardismo. Como bien dice mi compañero Juan Antonio, presentador de Músicas en la tarde, al igual que la mayoría de los músicos franceses, sus composiciones están llenas de "ganas de jugar" (del francés jouer = tocar, jugar). Goude, se acompaña siempre de su Ensemble,  entre todos nos dejarán extasiados por la belleza de los temas.


lunes, 5 de octubre de 2015

Carlos Izquierdo - El pianista mínimo (2015)




El pianista mínimo (EP, 2015), es el último trabajo del compositor Carlos Izquierdo. Este disco es la parte estrictamente musical del trabajo más completo que lleva el mismo nombre y que incluye una colección de fotografías y una lupa (ver la reseña en el sello Luscinia).

Las piezas que lo forman han sido compuestas a lo largo de un año, a camino entre Alicante, Canadá (donde Izquierdo grabó su segundo album, Ciel de lucioles) y Alemania y Polonia (durante la gira 'Tour de lucioles'); y mantienen el carácter emotivo, melancólico y envolvente de las composiciones a piano solo de Carlos Izquierdo, pero ahondando más en el minimalismo y las posibilidades musicales que este estilo permite desarrollar.

Compuesto únicamente de dos piezas (hay una tercera como bonus track para los que descargan el álbum), Wanderlust es principalmente una obra contemplativa, más melódica y rica en armonías, mientras que Aquest lloc potser senzill, la segunda, es profundamente minimalista en la composición, pero consiguiendo también transmitir esa belleza que caracteriza la obra del autor.




El disco ha sido grabado además en un entorno peculiar: la librería Pynchon&Co, de Alicante. Entre libros de poesía y ensayos de filosofía, junto a clientes que esa tarde pasaban por allí, creando una sensación más abierta, de concierto en directo y no de estudio, que le da más viveza a la grabación. El piano fue además modificado acústicamente, mediante telas en las cuerdas, para conseguir un sonido más suave, tenue y ambiental.

La portada del disco es obra de Marcos Aldeguer, con quien Izquierdo ya había trabajado en las portadas de los discos anteriores, y representa la sencillez y naturalidad de este álbum a la perfección con un dibujo de un solo trazo que representa la silueta de un pianista.

Espero que lo disfrutéis.


sábado, 26 de septiembre de 2015

JEAN-MICHEL JARRE - COMPLETE OXYGENE (1976-1997)




Después de haber hecho tantos trabajos en la escena musical francesa, Jarre comienza a disponer de su propio estudio musical instalado en la cocina de su apartamento, con más teclados y equipo electrónico, todo analógico, agregado más su amplia experiencia crea un extraordinario trabajo, un verdadero álbum electrónico y pilar indiscutible de la música de vanguardia, del cual él se convertiría en un pionero y llegando a influenciar a muchos artistas hoy en día. Jarre, con este álbum se hace conocido en todo el orbe y quizás hasta del universo, un álbum que hasta los alienígenas hacen su preferido.

Oxygene (1976) es un homenaje a la vida y a la naturaleza de nuestro planeta, en donde Jarre quiere concientizar a la gente de que la Tierra es un ser vivo que late y siente; ese es el motivo del por qué en la portada de su disco se observa al planeta Tierra despellejándose y mostrando una calavera en su interior, símbolo de vida; además según la Wikipedia el disco nació producto de una pintura que le fuese regalada a su futura esposa Charlotte Rampling, hija del célebre artista Michel Granger. Esto motivo a Jarre a hacer este disco; aunque la verdad dudo que así fuese; según las propias palabras de Jarre en una entrevista que vi hace muchos años, él venía desarrollando una serie de técnicas musicales con los teclados que su mentor Pierre Shaeffer le estaba enseñando, a esta técnica él le denominaba Oxygene y que por aquellos años logro desarrollarlos por completo, además un breve guiño se escucha en un tema antiguo que luego apareció en el célebre track Oxygene Part 4.




Jarre para este álbum dispuso de más equipo, que en sus anteriores trabajos y plasma aquí también el desarrollo máximo de su técnica como comente anteriormente, que se muestra, según mi criterio, muy compleja en los efectos pero sencillo en el clímax, en la atmósfera y en el ritmo; mostrando un álbum con un sentir muy "aero-espacial" en sus temas, recreando además sonidos y ambientes irreales con los viejos sintetizadores analógicos de su tiempo, una proeza ya de por si asombrosa. Además Oxygene es el álbum más soñador y electrónico-espacial que haya podido escuchar en mi vida, sé que no tiene la grandilocuencia de sus posteriores álbumes, pero este álbum desde que empieza hasta que acaba me transporta al mismo espacio sideral, ningún tema decae en absoluto, salvo quizás Oxygene Part 3. Indiscutiblemente este álbum es mi gran favorito del francés Jean-Michel Jarre.

El viaje aero-espacial empieza con Oxygene Part 1, en donde tanto el primer como el segundo tema hacen uno solo, el primero es un largo y maravilloso preludio con sonidos divinos que fluyen delicadamente por la imaginación del oyente dibujando atmósferas irreales en donde te sumerges de lleno, navegando mentalmente en un mar sideral espacial; ya casi por finalizar y pasar al otro track, este tema se vuelve más tierno con unos sonidos muy débiles que van amplificándose poco a poco, como si algo estuviera por nacer, incluso me atrevería decir que da divinos murmullos musicales, esta parte es maravillosa; pasando así al siguiente track Oxygene Part 2, el despegue definitivo al espacio, una pieza realmente extraordinaria en donde el maravilloso sonido del sintetizador hace gala de todo su poder musical, adornado por ráfagas espaciales de sonidos que se mostrarán en todo este track y decayendo poco a poco al final del mismo; pasando así al tercer tema Oxygene Part 3 en una tonada de estructura simple, en donde es hábilmente repetida a intervalos regulares y acabando con sonidos de avecillas.

Pasamos ahora a la segunda parte con el archiconocido Oxygene Part 4, un tema ya emblemático en la carrera musical de Jarre, adoptado por una gran multitud de oyentes para diversos quehaceres humanos y técnicos; esta cuarta parte refleja el espíritu directo a la naturaleza, sonando a veces como a un jazz electrónico con un asentado ritmo que cambia magistralmente de uno a otro; la sencillez soberbia y a la vez intrincada en su proceso lo ha hecho ser el favorito, quizás para casi todo el mundo; ya al finalizar el tema se puede escuchar una parte de Exasperated Frog de su álbum Deserted Palace, y que no sería el único en rehabituar viejos temas para sus posteriores trabajos; y siguiendo la secuencia aparece Oxygene Part 5 que es el típico sonido 'jarristico' muy bien interpretado, mostrándolo en su inicio como una larga introducción con sonidos atmosféricos y disonantes efectos superpuestos durante la primera mitad del tema, y a los 5:35 cambia casi sorpresivamente en una agradable sensación estereofónica a los oídos, con un extraordinario sonido parecido al latido de una máquina que se pasea por la mente, sucumbiendo nuevamente ante tanta majestuosidad sónica que te transporta a otro rincón olvidado de la galaxia; y por último el sexto tema Oxygene Part 6 es una aventura playera espacial en las costas de algún extraño planeta, con sonidos incluso de gaviotas electrónicamente creadas por el cirujano Jarre, el tema es como oleadas de sonidos densos que relajan el espíritu, con un marcado patrón musical que fluye por todo el tema y que le dan una especial sensación placentera hasta terminar el tema. Puedes escuchar todo el primer trabajo en una bonita elaboración tridimensional hecha a partir de la portada original:



Cabe destacar además, que Oxygene es su álbum más vendido hasta el momento, superando en varios millones de copias vendidas en todo el mundo; un álbum que cuando apareció por primera vez en las tiendas, no se sabía en donde etiquetarlo, se le llamo jazz electrónico, instrumental espacial, música progresivista, u otras frases similares que reflejaban el impacto producido por este álbum, un ritmo totalmente nuevo en la escena musical de su tiempo, y eso que otros artistas estaban labrando ritmos similares. Para este álbum, Jarre también conocería a su máximo colaborador en la parte artística de sus álbumes, a Michel Geiss, un músico y diseñador de varios de los instrumentos electrónicos utilizados por Jarre posteriormente en sus conciertos; y que lo abandonaría precisamente en la culminación de la continuación de este álbum, en Oxygene 7-13.

Tuvieron que pasar 20 años para que la continuación, Oxygene 7-13 fuese una digna continuación a este mítico y subliminal álbum.



Después de una larga espera y de muchos rumores, aparece el nuevo trabajo de Jean-Michel, en enero de 1997 se hace la presentación mundial del nuevo disco en una rueda de prensa, con un impactante título: Oxygene 7-13 (Se optó por este nombre para evitar confundirlo con el single Oxygene 2), que pretende ser la continuación de su primer gran éxito y conmemorando además su 20° Aniversario, muy al igual que Mike Oldfield con su épico Tubular Bells. El nuevo álbum de Jarre, le demando muchos problemas antes de su edición, problemas que se vieron reflejados por un lado en la salida de su máximo colaborador Michel Geiss, y por otro el cambio de disquera (ahora con la multinacional Sony Music). Además se tuvo que agregar un tema más al álbum inicial; aun así el disco también se presenta como su último gran trabajo verdaderamente efectivo y conceptual, ya que luego vendrían trabajos de regular calibre u otros que ni deseo acordarme.

Para este disco Jarre tuvo que volver a sus raíces y reproducir aquel mismo sentimiento aero-atmosférico-espacial creado en el original Oxygene, como una continuación del mismo álbum. De seguro Jarre tuvo que desempolvar los viejos teclados analógicos y conjugarlos con  los nuevos sistemas de elaboración musical e irremediablemente con el ritmo ya muy puesto en sus venas, convirtiéndolo aun así, nuevamente en un éxito comercial y artístico a la vez, igual que su predecesor, pero sin el aplastante éxito que el primero, aun así personalmente lo considero uno de los mejores discos que ha hecho el francés. 

En el interior del álbum se puede encontrar una dedicatoria que hace Jarre a Pierre Shaeffer, que como ya se sabe, fue el mentor y maestro quien le enseño a ver la música desde otra perspectiva y quien lo introdujo de lleno al fascinante mundo de la música electrónica. La portada es otro de los grandes trabajos de Jarre, y según mi modesta opinión, la mejor de todas hechas hasta la fecha, el cual denota un ser humano espacial teniendo como corazón a la misma Tierra, portada que comparte los honores con otra portada de la primera compilación alemana: Musik aus Zeit und Raum - Music From Time And Space (1983), diseñadas nuevamente por Michel Granger, el mismo que diseño el primer Oxygene.

La continuación del nuevo viaje aero-espacial se inicia con Oxygene 7, estructurado en tres partes, una verdadera alucinación musical, siempre que lo escucho me hace evocar imágenes mentales muy extraterrenales; el tema tiene una cierta similitud a la línea básica de Oxygene Part 4 y con un evocador agregado de simples notas que le dan una sensación de sinfonía espacial soñadora, que fue performada brillantemente con el arpa láser en el concierto de Moscow, en donde me dio un colapso fulminante ante tanta majestuosidad musical; esos cuatro golpes iniciales son inolvidables para luego aparecer un alienado ritmo que se desplaza por todo el tema junto a un ambiente de fondo muy espacial, un verdadero placer sumergirte por ese espacio musical creado por Jean-Michel; todo ello siendo la primera y segunda gran parte; en la tercera, el ritmo desciende un poco y evoca notas muy soñadoras y calmadas como aterrizando a otro tema. Y ese tema es Oxygene 8, otro grande, grandísimo y mágico, no me importa que sea el tema más difundido del álbum, en verdad es uno de los mejores temas que ha compuesto el francés, la forma cálida y dinámica que se interconectan las notas son dignas de admirar, como un  vaivén armonioso muy soñador, un verdadero tema rítmico-espacial. Oxygene 9, básicamente es una evocación al primer tema del álbum Oxygene, muy idéntico y con muy poca variación en el tema, que sirve de tema de introducción a Oxygene 10, otro tema brillante, en donde la melodía parece ser llevada por el teclado y un theremin, así de genial lucía este tema también en el concierto de Moscú; aquí Jarre vuelve a los ritmos high-tech pero en menor medida y sin abusar demasiado en ellos, además su habilidad para combinar ambos estilos es muy buena. Luego otro tema de igual hechura al anterior, Oxygene 11, en donde el sonido persistente de un teclado analógico a modo de fondo percusionista gobierna todo el tema, con la inclusión de más sonidos electroanalógicos mecánicos que lo hacen parecerse a un tema techno dancing, pero nuevamente sin abusar de ello. Oxygene 12, que regresa al sonido inicial en una mezcla extremadamente orgánica y clara, un delirio de notas hasta el límite que alcanzan sus puntos más altos en las manos hábiles de Jarre, pura dinamita analógica para el cerebro. Finalmente Oxygene 13 cierra el disco, de forma muy similar que su antecesor, una orquestal pieza ambient muy profunda con un sentimiento muy placentero en su melodía, pareciera una especie de despedida cósmica; culminando así esta gran obra del francés Jean-Michel.



Finalmente quisiera agregar dos enlaces mas que me parecen interesantes: el primero es del gran concierto hecho en Moscú celebrando el 850 Aniversario de la ciudad en 1997 donde presentó la totalidad de ambos trabajos y algunos otros temas de una manera espectacular:



Y por último: con motivo del 30 aniversario de Oxygène, el músico francés Jean-Michel Jarre publicó en 2007 Oxygène: Live In Your Living Room. Para conmemorar el evento, el francés reinterpretó su obra más conocida utilizando los sintetizadores analógicos originales de 1976, grabándolo todo en los estudios Alfacam (Lint, Bélgica). La idea detrás del proyecto era llevar la interpretación y grabación, en vivo, de un clásico de la música electrónica como es Oxygène, hasta el salón de casa: la sensación es que se trata de un concierto privado. Para que la inmersión fuese total, además, se utilizaron cámaras estereoscópicas 3D y sonido 5.1 surround. Así que a buscar una gafas azul-rojas y a mirar este intimo concierto:




En concreto ambos álbumes demuestran lo que un buen músico puede lograr muy creativa y evocadoramente con los teclados, mas allá de los febriles ritmos electrónicos modernos que pululan a nuestro alrededor; además según mi opinión este disco cierra la etapa creativa del francés, luego vendrían álbumes de regular calaña y otros que pasarían sin son ni gloria, aun así Jean–Michel Jarre marco toda una generación y abrió muchas puertas musicales a tantos grupos que quisieron copiarle y estos 2 álbumes fueron su bastión de apoyo…

Alienycon.

Link de descarga de Complete Oxygene (Album MP3):
https://mega.nz/#!4lYADD5a!Jh7YrcAs2ZxW8NjjId86KIM8gv1CI-8oJsy1tci_TiM

Link de descarga de Oxygene Live In Your Living Room 3D (DVD):
https://mega.nz/#!x4ZFwBIK!CA_W1bT_fXvHJMR2Nu2hVhAyJrjZPneevjblkjaMxRw

jueves, 24 de septiembre de 2015

Gjallarhorn - Sjofn (2000)



En la mitología escandinava, el Giallarhorn o Gjallarhorn es el cuerno con el que Heimdal, guardián de Asgard, anunciará el Ragnarök. El nombre del cuerno está relacionado con la palabra gala que significa "gritar" o "cantar con voz fuerte". En la mitología nórdica, Sjofn es la diosa del amor y la pasión. A ella se invocaba en las fiestas de primavera que se celebraban antaño en los países nórdicos en demanda de buenas cosechas.

Segundo álbum de estudio de este fantástico grupo finlandés que mezcla el folclore sueco con influencias hindúes y australianas. En esta etapa el grupo está formado por Christopher Öhman (viola, mandola, voces y kalimba), Tommy Mansikka-Aho (didgeridoo, udu, djembe, arpa de boca), David Lillkvist (kalimba, percusión), Sara Puljula (percusión) y  la violinista Jenny Wilhelms con su espectacular voz.

Escucha estos dos tema tradicionales

martes, 15 de septiembre de 2015

Carlo Lebin - Cosmunication I (2014)




Como sabréis me gusta promocionar a nuevos valores y este joven artista limeño (Lima, Perú) no va a ser menos, contactó conmigo hace unos días y después de escuchar su propuesta he decidido que le deis una oportunidad.

Guitarrista, productor,compositor, arreglista e instructor. Lebin nació en la ciudad de Lima (Perú), al terminar la escuela secundaria se interesó por tocar la guitarra gracias a unos amigos de la escuela.Siendo zurdo tuvo dificultades para conseguir un profesor así que decidió seguir primero por su cuenta. Al cabo de unos años entrenando y perfeccionando su técnica decidió comenzar a trabajar con bandas y a estudiar profesionalmente música en algunas escuelas de su ciudad.




Al comienzo dedicó parte de sus estudios a la guitarra clásica pero después fue aprendiendo de otros estilos e instrumentos los cuales con los años lo llevarían a definir su manera de tocar, de escribir y de interpretar. Después de un tiempo de instrucción inició sus primeros trabajos profesionales como guitarrista con bandas de su ciudad pasando por diversos estilos lo cual ayudaría de manera significativa a su lenguaje musical.

Con su primera banda profesional, Espinas, logró grabar un disco y un vídeo clip el cual llego a ser difundido en la cadena MTV latino con su single Tiempo. Al terminar su etapa con Espinas y dominando varios instrumentos participó como músico invitado en bandas de su ciudad y como músico de sesión. A partir del 2010 comenzaría su trabajo como productor y arreglista. Actualmente ha editado dos discos instrumentales, el que os presento, titulado Cosmunication I, una mezcla de new age con elementos pop rockeros, y otro titulado Spiral Road del género Rock Instrumental en donde predomina la guitarra eléctrica, producidos en su totalidad por Lebin.

Para el 2015 se encuentra terminando su tercer disco Cosmunication II, disco en donde predominan los teclados, muy inclinado al new age de los 90s con una pizca de Cinematic Ambient. Su preescucha nos pone los dientes largos y la verdad es que supone una evolución más elaborada que la primera parte. Escuchad el tema que abrirá el disco.




En el siguiente enlace podréis descargar gratuitamente el disco en formato CBR 320 o en wav con sus correspondientes carátulas a gran calidad.

sábado, 12 de septiembre de 2015

Mike Oldfield - Amarok (1990)



Corría el año 1990 y la relación Oldfield-Branson (dueño de la VIrgin, casa discográfica que le abrió las puertas a Mike) es la clásica relación entre un altanero y un artista sensible y peor aun, de difícil comunicación. Branson (según Oldfield) le venía pidiendo la continuación del emblemático Tubular Bells, repitiendo así nuevamente ese éxito masivo, pero el buen Mike por razones personales no le hacia caso, esto tensó su relación por muchos años y aun le faltaba hacer 2 álbumes mas para acabar definitivamente su contrato con ese sello. Y fue así como nació Amarok, este disco lo hizo para fastidiar a la discográfica y/o para finalizar un contrato opresor, donde cada vez le exigían más éxitos efímeros. 

Por eso si todos pensaban que Mike Oldfield estaba perdido, aquí en este disco se consagró definitivamente. Quién hubiese pensado que Mike podría llegar a tan alta concepción musical, lo que me resulta tan, pero tan extraño es cómo pudo emerger este álbum entre tanto y tanto álbum semi-comercial que producía; es evidente que su talento innato nunca lo perdió, simplemente lo dejo de lado por un buen tiempo. En este disco tenemos a un Mike que regresa a sus orígenes, a sus primeras raíces, a ese artesano musical que trata de dar forma a una pieza musical usando lo que encuentre a su alrededor. Qué placer escuchar este disco, te sientas y te dejas llevar por los múltiples collages musicales del disco, es como una Caja de Pandora musical, hay una gran diversidad de instrumentos que fueron usados por Mike en este sublime disco y otros no muy convencionales. Seguirle los pasos a cada secuencia que se va sucediendo una tras otra es una verdadera delicia y placer para los oídos, es como un viaje emocional por diferentes collages musicales. Hay partes innovadoras, suaves, cantos africanos, abundante riffeo, voces procesadas y un larguísimo etc. 

Amarok es para muchos una bendición musical, lo considero el Beaubourg de Mike (haciendo alusión a un trabajo similar hecho por Vangelis), mucha instrumentación, muchas buenas partes que bien podrían haber sido un tema cada uno, creo que hay como una docena de álbumes dentro de uno solo; es interesante notar que antes de este publicó uno de sus álbumes menos logrado y de escasa aceptación por parte del público, me refiero a Earth Moving (1989), para luego subir en su punto más alto con Amarok. Tratar de describir este único tema es algo complejo, ya que cada individuo lo podría percibir de distintas formas, pero desde que empieza con esa guitarra sorprendente te das cuenta inmediatamente que se viene algo realmente bueno y que no te va dejar defraudado en su escucha. Tiene tantas partes buenas que si tratara de describirlas cada una, mi comentario se alargaría aún más, además son tántas que acaba una e inmediatamente empieza otra, es sólo soñar con cada una de sus partes. Es curioso el hecho de que intencionalmente lo grabó de esa forma con continuos cambios de ritmo para que no se pudiera extraer ni un solo single, otra razón mas para fastidiar a su sello.

Sobre el nombre del disco se han escrito muchas referencias, como que significa “I am a rock - A m a rok” (soy una roca), que en gaélico significa “feliz”, “lobo” en esquimal, etc.  Es notable recalcar que añadió sutilmente un código en morse que dice "Fuck off R.B." (Jodete Richard Branson), las insurrentes subidas de volumen aleatorias del rifeo de Mike y la advertencia sugerente en la portada del disco haciendo alusión de que es un disco solo para un público selecto. Por todo ello Amarok no tuvo una buena promoción por parte de la discográfica, siendo el disco menos conocido y menos vendido de Oldfield, solo el tiempo le ha dado un valor musical al disco.

La primera vez que lo escuché debo de confesar que no lo comprendí del todo bien, sabia que era bueno, así que tuve que escucharlo varias veces hasta sentir que era una obra magistral y que ahora forma parte de esos álbumes indispensables en mi vida musical. Amarok tiene una duración próxima a la exactitud, ya que dura exactamente una hora. Me parece que tiene una reminiscencia muy parecida al Tubular Bells y un poco a los dos álbumes siguientes: Hergest Ridge y Ommadawn, es como si éste fuera otro álbum de los primeros que hacia, ya que tienen una casi misma línea estructural, aunque en éste es mucho más elaborada, según mi opinión. Un álbum que nunca debe faltar para todo aquel que se digne de ser un buen oyente de esas músicas que calan muy profundo en la psique humana. Este disco realmente me deja “Ha…ha…happy”






P.D.: Al año siguiente Oldfield editó su último disco para Virgin: Heaven's Open, finalizado así su contrato, entonces Oldfield le dio a su nueva compañía (Warner) lo que le había negado a Richard Branson: un nuevo éxito masivo con Tubular Bells 2, Tubular Bells 3, Millenium Bell y hasta un Tubular Bells 2003. ¡Qué tan buena venganza de Mike!

Alienycon.

Link de descarga:
https://mega.nz/#!NxoDWAhZ!XvKroTNstz9KVUjqfIOLvOUmUe6MXtXBhHAwZkGb-dg
(FLAC de Vinilo Original)

lunes, 7 de septiembre de 2015

Mathias Grassow & Jim Cole - The Last Bright Light (2004)



Mathias Grassow, sintesista alemán con una discografía apabullante, tanto en solitario como en colaboraciones y que ha tocado todos los estilos habidos y por haber dentro de la electrónica e incluso se ha atrevido con la new age. Desde los 80, influenciado por las enseñanzas del budismo y el sufismo se ha especializado en la música de armónicos y su influencia en la psique humana mediante el uso de la voz, las tambouras, cítaras, cuencos cantores...

Jim Cole, cantante estadounidense que se quedó tan maravillado tras escuchar los cantos de unos monjes tibetanos que acompañaban a David Hykes que se propuso estudiar en profundidad los tonos armónicos con la voz. A su vez es el líder del grupo Spectral Voices. Para realzar los sonidos buscan espacios con reverberaciones como santuarios de iglesias,  criptas de piedra, cisternas de agua... En una próxima ocasión hablaremos de este singular grupo.

Este disco es el resultado de la primera colaboración entre ambos. Esta carátula pertenece a la edición por parte del sello dedicado a los sonidos minimalistas y ambient Hypnos Recording. Existe otra versión en cdr por parte de AtmoWorks. Aunque parece increíble, de los 8 temas que componen la obra en el único donde se utilizan sintetizadores es en el séptimo tema, Fusion





martes, 1 de septiembre de 2015

Vangelis - Voices (1995)



Después de haber realizado ese mismo año el álbum Foros Timis Ston Greco, conocido posteriormente como El Greco, Vangelis crea otro sorprendente álbum denominado Voices. En este álbum en concreto, Vangelis esta vez utiliza a tres cantantes; como bien sabemos Vangelis llevaba años haciendo esto, pero la forma y estilo de estos tres cantantes dista mucho de otras producciones ya realizadas por Vangelis, en este álbum su labor es notoriamente distinta, sacando lo mejor de cada uno de estos artistas que ni en sus propias producciones brillan aquí como en este sublime álbum. Los tres vocalistas usados eran artistas de reconocida trayectoria en diversos álbumes para otros cantantes o agrupaciones, excepto Paul Young que ya tenia varios álbumes publicados por si mismo; las otras dos cantantes (Caroline Lavalle y Stina Nordenstam) posteriormente publicarían los suyos. Se especula mucho acerca de ellos, que además de las canciones que aparecen en el álbum, ellos interpretaron otras canciones con el Maestro, pero nunca vieron la luz; a excepción de un tema de Stina Nordenstam que salio en un EP promocional del álbum que aquí también pongo y comento.





El álbum se inicia con Voices (Voces), un tema esplendoroso y de embriagante armonía; este track bien podría ser usado para abrir cualquier evento deportivo, y una vez leí para ser usado como 'Himno A La Paz Mundial'; posee un poderoso ritmo a modo de marcha, se me ocurre pensar que es un tema entre la fusión de Chariots Of Fire y 1492 Conquest of Paradise, por que contiene mucho de ambas; en fin, las voces son sorprendentes y fueron interpretadas por The Atens Opera Company, todo un gran logro épico de siete minutos.

Continua Echoes (Ecos), un pieza que evoca al primer track con diferente instrumentación y más calmada, como una especie de eco musical.  Come To Me (Ven A Mi), primer tema cantado, por la vocalista femenina Caroline Lavalle, que además toca el cello; el estilo usado en su canto es muy hermoso y relajante, además el canto es notoriamente distinto a otros ya performados en álbumes anteriores, y todo ello acompañado del magistral sonido de fondo impuesto por Vangelis, en una especie de dueto.

P.S. (siglas usadas al final de una carta), es una breve melodía de sutil pureza melódica con una tenue reminiscencia al primer tema Voices, que sirve de corta introducción al siguiente tema. A continuación un tema muy conmovedor Ask The Mountains (Pregúntale A Las Montañas), emblemático y extraño a la vez e interpretado por la cantante sueca Stina Nordenstam, las voces iniciales son difíciles de olvidar mezcladas con una melodía misteriosa y algo sentimental, que sirve de soporte para el extraño canto de Stina, aquí Vangelis logra sacar lo mejor de su voz que ni es sus propios álbumes de ella logra llegar a estos standares tan altos.

Prelude (Preludio), un tema bellísimo ejecutado por un cristalino piano de evocadoras notas etéreas que flotan en la atmósfera, dándole una sensación de total libertad. Luego a continuación otro tema cantado, esta vez por el cantante inglés Paul Young, el tema Losing Sleep (Still My Heart) [Sueño Perdido (Todavía Mi Corazón)], yo he escuchado muchas canciones de Paul, pero en ninguna canta como aquí, es sorprendente como Vangelis puede explotar recursos aun desconocidos por los propios artistas, el tema en cuestión es finamente cantado conjuntamente con una voces corales muy débiles de fondo, dándole un grato acabado a todo el conjunto musical.

Otro hermoso tema Messages (Mensajes), interpretado con las mismas voces iniciales del primer tema, pero aquí sin apresuramientos en el ritmo, todo discurre con total calma, de suaves texturas armónicas y sosegada percusión. Por último Dream In A Open Place (Soñar En Un Lugar Abierto), un hermoso título para un bello tema, este tema me encanta profundamente, me hace imaginar estar acostado boca arriba contemplando el cielo en una cálida noche de verano, mirando las estrellas; la consistencia de la melodía es indescriptible, creo que las palabras sobran; esta pieza 'vangélica' relajante y estimulante aflora intensamente la imaginación del oyente.





Al momento de ser publicado el álbum Voices salieron a la venta 2 sendos EPs en diferentes países y en algunos ni siquiera eso. Uno de esos EPs fue Voices en 3 diferentes versiones, todos del álbum homónimo pero con diferentes nombres: Voices (el mismo que el álbum), Voices II (que no es nada menos que el tema Echoes) y Voices III (que corresponde al tema P.S. del album). El otro EP fue Ask The Mountains con tres temas: el primero Ask The Mountains, idéntico al usado en el álbum, el segundo el subliminal y magistral Slow Piece, un tema precioso y que fuera descartado del álbum, un total crimen, este tema suena como si fuese cantado por un ángel, es tan profundo y tranquilizante que hasta el ser más bruto y violento caería a sus notas, un tema que de seguro los amantes de la new age harían de sus favoritos, nuevamente interpretado magistralmente por Stina Nordenstam y el tercer tema Ask The Mountains en su versión mas extendida.





En resumidas cuentas este álbum y sus dos EPs son hermosos desde principio a fin, ningún tema decae en absoluto, un álbum que es obligatorio escuchar y tener. Cuando lo escucho siempre quedo maravillado lo que este hombre logra plasmar de una manera tan simple e intimista, pero a la vez tan universal.

Alienycon

Link de Descargas:

Album Voices: https://mega.nz/#!Iw4VUSyR!DgxjAm9Kfq1fzWLIMHbZm8L0O9hliK9pMRa95DNJpvY
EP Voices: https://mega.nz/#!ogBQ0ACT!n3b2hnx1HAUV502GUXS2EtXMZ16rBj28kaPAdmZmek8
EP Ask The Mountains: https://mega.nz/#!xsJETQbD!w_EzAVdYWt_IFGIOcc87X7EtwJugvyZr6eBo5sXx3V8